Puede que a algunos ya les parezca cansino que se hable de lo acomodado que se ha vuelto James Horner, sin duda uno de los grandes compositores contemporáneos de música de cine. Pero, al menos bajo mi punto de vista, me parece triste que un gran artista como él no sea capaz de ofrecernos trabajos más elaborados, los mismos que nos deslumbraron hace ya unos cuantos años. A pesar de que la banda sonora de “El niño con el pijama de rayas” aún no se ha editado, basta con ver la película para percatarse de que no nos hallamos ante una obra especialmente deslumbrante.

Los minutos iniciales de la partitura comienzan bien, con una pieza jovial que describe de manera adecuada la vida de un chiquillo despreocupado (juega con sus amigos por las calles de Berlín y reside en una mansión donde no le faltan los lujos). Horner utiliza con corrección el piano e introduce un tema central que repite en no pocas ocasiones y que no consigue acoplarse del todo a las imágenes que nos muestra Mark Herman, el realizador de la cinta. Sin embargo, lo peor de todo es encontrarnos con un breve fragmento musical que es clavadito a “Sneakers: Los fisgones”/”El hombre bicentenario”/”Una mente maravillosa” (cada uno que escoja el título que prefiera). James Horner lo puede hacer mejor, muchísimo mejor.

En la imagen: Detalle del cartel de “El niño con el pijama de rayas” - Copyright © 2008 Heyday Films, BBC Films y Miramax Films. Distribuida en España por Buena Vista International Spain. Todos los derechos reservados.

Nunca me ha entusiasmado la obra de Theodore Shapiro, uno de esos compositores que se ha especializado en escribir rutinarias bandas sonoras para todo tipo de comedias. No obstante, tenía la esperanza de que para “Tropic Thunder: ¡Una guerra muy perra!” se inspirara un poco más y al menos se acercara a los niveles de John Debney en, por ejemplo, la ya comentada “Atrapado en un pirado”. He de reconocer que durante los primeros minutos de la película creía que iba a conseguirlo, puesto que realiza una notable parodia de esas pretenciosas bandas sonoras heroicas que tanto escuchamos en no pocas producciones de Hollywood (de hecho, considero que la utilización en estas escenas de ciertos elementos vocales es un gag en sí mismo).

Sin embargo, y a pesar de hallarnos ante un trabajo decente, Shapiro no consigue mantener esa inteligente comicidad a lo largo de su partitura, optando al final por tomarse el asunto demasiado en serio y empleando típicas sonoridades electrónicas para las escenas de acción (vamos, que nadie espere la maestría de Elmer Bernstein en “Aterriza como puedas”, todo un ejemplo de cómo se deben abordar este tipo de propuestas cinematográficas, al menos musicalmente hablando). Es una pena, pues, que el compositor de esta banda sonora termine dejando a un lado su ironía inicial y opte por escribir una serie de anodinas piezas en las que, cómo no, introduce breves elementos exóticos para que recordemos en todo momento dónde se desarrolla el relato.

En la imagen: Ben Stiller en “Tropic Thunder: ¡Una guerra muy perra!” - Copyright © 2008 DreamWorks Pictures y Red Hour. Distribuida en España por Paramount Pictures Spain. Todos los derechos reservados.

A pesar de su sólido trabajo para “La Pasión de Cristo”, John Debney no ha cesado de trabajar en los últimos años en producciones que no poseen la relevancia de la citada película dirigida por Mel Gibson. Es por ello que últimamente ha compuesto la banda sonora de sencillas propuestas de animación (“Chicken Little”) o de anodinas comedias (“Sigo como Dios”), caso de “Atrapado en un pirado”. Sin embargo, en lugar de cumplir con su cometido sin esforzarse demasiado, algo que suelen hacer la mayoría de sus compañeros de profesión con este tipo de encargos, Debney logra que la calidad de su música esté por encima de la de la cinta de Brian Robbins.

La utilización de la orquesta y de los coros es ejemplar, al igual que la descripción que hace con sus notas del personaje de Dave, aportándole una estupenda comicidad a la interpretación del propio Eddie Murphy. Además, incluso consigue que en ocasiones el filme posea una fuerza que, la verdad sea dicha, probablemente no tuviera si no fuera por sus notas. No es que se trate de una obra redonda, ya que no aporta nada nuevo al mundo de las bandas sonoras, pero al menos resulta reconfortante que un compositor se esfuerce incluso en aquellos trabajos en los que en principio podría relajarse un poquito. Con ello no sólo se respeta a sí mismo como artista, sino que también hace lo propio con el espectador.

En la imagen: Fotograma de “Atrapado en un pirado” - Copyright © 2008 Twentieth Century-Fox y Regency Enterprises. Distribuida en España por Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados.

Creo que ya he repetido muchas veces que siempre esperamos grandes obras de compositores que nos han brindado algunas de las mejores bandas sonoras de los últimos lustros. No es de extrañar, pues, que uno se sienta un tanto decepcionado al comprobar que Danny Elfman se limita en “Wanted (Se busca)” a escribir una funcional partitura con la que, eso sí, no me cabe la menor duda de que se lo ha pasado en grande (de hecho, el álbum se abre con un canción interpretada por él mismo). Sin embargo, una vez vista la película me parece lógica la postura adoptada por el artista, quien sin duda le otorga al filme la música que precisa.

Los pasajes de acción poseen un trepidante fondo sonoro, percibiéndose un sencillo pero eficaz tema central del que Elfman no parece querer abusar. Por otro lado, la Fraternidad también cuenta con su propia pieza (acompañada por coros que podríamos definir como eclesiásticos), algo que también les sucede a algunos de los personajes del filme (Fox relatándonos su pasado, por ejemplo). Si tuviera que quedarme con un determinado fragmento de la banda sonora, sin duda sería aquél que acompaña al momento en el que se nos muestra cómo Wesley ha avanzado en su duro entrenamiento.

En la imagen: James McAvoy en “Wanted (Se busca)” - Copyright © 2008 Universal Pictures, Spyglass Entertainment, Relativity Media, Marc Platt Productions, Kickstart Productions y Top Cow. Distribuida en España por Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.

He de reconocer que no soy un entusiasta de la música que Michael Giacchino compuso para la primera temporada de “Alias”, serie de televisión creada por el exitoso J.J. Abrams. Para mi gusto, resultaba demasiado estruendosa y estaba repleta de frenéticos ritmos que no me hacían excesiva gracia. Sin embargo, la partitura fue evolucionando en los años posteriores y, desde luego, la utilización de instrumentos musicales tradicionales y de temas más definidos sirvió para que este trabajo llamara la atención de no pocos aficionados a las bandas sonoras (es difícil encontrar obras tan elaboradas en la pequeña pantalla, medio en el que todo tiene que hacerse en un período de tiempo muy breve). El propio autor lo reconoce: «al principio, “Alias” era una serie con muchos ritmos tecno que luego se superponían a una pista orquestal. Conforme avanzaba la serie, se volvió todo más personal y emotivo. Así que con el tiempo fui usando el tecno cada vez menos. Ahora es todo orquestal». «La orquesta para “Alias” siempre es la misma: catorce violines, seis violas, cuatro chelos, dos bajos, cuatro cuernos franceses, un fagot, una flauta alto y percusión, que incluye a un tío con bongos y címbalos. Me gusta porque te obliga a usar los instrumentos de maneras distintas».

Sobre cómo se hizo con este trabajo, el propio Giacchino devela que «un día recibí un correo de alguien que no conocía de nada en el que decía: “hola, me llamo J.J. Abrams. Voy a hacer una serie para la ABC. Me gustaría hablarte de la música». «Le debo mucho a J.J. Él me metió en otro mundo y me dejó hacer lo que quisiera». El director de “Misión: Imposible III” comenta sobre el compositor que «nos ha salvado muchas veces […]. Michael busca el significado de las escenas y busca el modo, milagrosamente, de expresarlo con música [… La música se convierte en la historia, no es sólo decorativa o de relleno. [Giacchino] es un gran narrador, me gusta saber su opinión sobre los cambios de plano y demás […]. Él es la prueba de fuego. Es increíble. Es un genio […]. Su música es muy sincera. Estoy muy agradecido por poder contar con su calidad». Incluso los actores valoran su labor, caso de Jennifer Garner («es de lo mejor de la serie […]. Él es el héroe oculto de “Alias”») o Ron Rifkin («parte de lo que hace emocionantes a los personajes es la música. El mío, Alvin Sloane, tiene el tema del Sloane malvado, y luego está el tema del Sloane bueno»).

En la imagen: Fotograma del documental “La música de ‘Alias’” - Copyright © 2006 Touchstone Television y Bad Robot. Todos los derechos reservados.

Si de mí dependiera, de ninguna manera hubiera nominado a un Oscar® a la banda sonora que Marco Beltrami compuso para “El tren de las 3:10″. Que conste que es una buena partitura y que el autor sabe utilizar la música para otorgarle a la historia una opresiva ambientación, pero no se trata de una obra que se pueda tildar de soberbia, y mucho menos si nos atenemos a las sólidas partituras que se han escrito en las últimas décadas para este alicaído género. Beltrami se aleja de la pomposidad y de las grandes orquestaciones, acercándose un poco a ciertas sonoridades que nos recuerdan a Ennio Morricone.

El uso de la guitarra es insistente, utilizándose tanto para las escenas en las que prima la tensión como para, en menor medida, aquéllas en las que existe cierta calma (conviene recordar que son escasos los instantes del filme en los que los personajes se quedan quietos y en una actitud introspectiva). Dicho lo cual, no es de extrañar que sintiera una manifiesta decepción tras ver esta película de James Mangold, al menos en lo que respecta a su banda sonora (el largometraje me parece de lo más entretenido). Eso es lo que sucede cuando uno tiene unas elevadas expectativas ante una determinada obra que, insisto, no está nada mal, pero dista de ser notable.

En la imagen: Fotograma de “El tren de las 3:10″ - Copyright © 2007 Tree Line Film y Relativity Media. Distribuida en España por Wide Pictures y Filmax. Todos los derechos reservados.

Que Patrick Doyle es un gran compositor es algo que resulta incuestionable, siendo muy amplio y diverso el bagaje que tiene a sus espaldas. Ahora bien, en los últimos años ha participado en producciones en las que ha tenido una buena oportunidad para lucirse y, sin embargo, no lo ha hecho, caso de “Harry Potter y el Cáliz de Fuego”, “Eragon” y, en menor medida, “La última legión” (el que más me ha gustado de sus últimos trabajos de carácter fantástico o aventurero es “La niñera mágica”).

Aunque “La isla de Nim” cuenta con un audible tema principal, éste resulta bastante tibio, completándose la partitura con una serie de dignas pero rutinarias piezas que reflejan la comicidad del relato, los ambientes en los que se mueven los personajes o las sensaciones que les invaden. Lo peor es que el compositor se afana en otorgar a la película una grandilocuencia que en realidad ésta no posee, utilizando para ello toda la aparatosidad de la orquesta (se trata, en definitiva, de lo mismo que algunos de sus colegas de profesión hacen con la música electrónica, especialmente en los largometrajes de acción).

En la imagen: Fotograma de “La isla de Nim” - Copyright © 2008 Walden Media. Distribuida en España por Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.

Contra todo pronóstico, Kevin Kiner nos sorprende en “Star Wars: The Clone Wars” con una partitura que apenas utiliza los míticos temas que John Williams compuso para todas y cada una de las películas que forman parte de esta saga cinematográfica de George Lucas (de hecho, de la nueva trilogía, que es donde se desarrolla la acción de este largometraje/serie de televisión, no emplea ni uno). Por supuesto, semejante decisión deja un tanto perplejo al espectador, algo que ya sucede en los primeros minutos de la cinta, justo cuando la famosa fanfarria de “La guerra de las galaxias” apenas se escucha durante unos breves segundos.

En todo caso, Kiner escribe una partitura muy intensa y vibrante, con piezas orquestales de una gran calidad que principalmente escuchamos en las numerosas secuencias de acción que se suceden a lo largo del filme. Eso sí, el contraste entre estos temas y la música electrónica que el compositor introduce en la banda sonora resulta excesivo y, bajo mi punto de vista, todo un error por su parte (lo mismo se puede decir de las innecesarias y cansinas tonalidades étnicas). Insisto, si se tratara de otra producción cinematográfica, su trabajo estaría por encima de la media, pero ver “Star Wars: The Clone Wars” con pobres y escasísimos arreglos de las magnas obras de John Williams… decepciona bastante.

En la imagen: Fotograma de “Star Wars: The Clone Wars” - Copyright © 2008 Warner Bros. Pictures y Lucasfilm Animation. Distribuida en España por Warner Bros. Pictures International España. Todos los derechos reservados.

No es difícil distinguir las habituales sonoridades de Danny Elfman en la música que ha escrito para “Hellboy II: El Ejército Dorado”, una obra en la que el compositor ha optado por introducir una serie de grandilocuentes piezas que, a pesar de su eficacia, personalmente considero que no aportan nada nuevo a la carrera del artista. Contundente y a ratos excesiva, se echa en falta la existencia de un sólido tema central en la banda sonora (todo lo contrario de lo que hizo Marco Beltrami en “Hellboy”).

Aparte de hacernos vibrar en los pasajes de acción o de resaltar la espectacularidad visual de algunas escenas de la película, Elfman también incorpora notas intrigantes, cómicas y melódicas, siempre dependiendo de lo que acontece en la pantalla. Estas últimas son las que, bajo mi punto de vista, resultan más convincentes, convirtiéndose además en un oasis dentro de un trabajo dominado por la aparatosidad. Ah, y a los que les encanten los coros que este autor emplea con tanta profusión en sus creaciones… que no se preocupen, pues están presentes en la partitura de muy variadas formas.

En la imagen: Fotograma de “Hellboy II: El Ejército Dorado” - Copyright © 2008 Universal Pictures, Relativity Media, Dark Horse Entertainment y Lawrence Gordon/Lloyd Levin Productions. Distribuida en España por Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.

Quién nos iba a decir hace unos años que Marco Beltrami, un autor que se dio a conocer gracias al género del terror (la trilogía “Scream”, “The faculty”, “Drácula 2001″, “Nunca juegues con extraños”), iba a conseguir una nominación al Oscar® por uno de sus trabajos (“El tren de las 3:10″). Con Guillermo del Toro ha colaborado en varias películas: “Mimic”, “Blade II” y “Hellboy”, siendo curioso que no repita con él en “Hellboy II: El Ejército Dorado” (está claro que poder contar con un compositor de renombre, caso de Danny Elfman, resulta bastante más llamativo).

El caso es que la banda sonora de “Hellboy” es digna de elogio, puesto que posee un reconocible y meritorio tema central, por no hablar de que la utilización que se hace de los coros sólo se puede calificar de brillante y que las piezas de carácter intimista presentan una agradecida belleza (la dedicada al personaje de Liz Sherman o la del funeral de Bruttenholm así lo atestiguan). Eso sí, en ocasiones la partitura resulta un tanto grandilocuente, siendo excesivo el uso que se hace de la orquesta, aparte de que los fragmentos que se emplean para las secuencias cómicas no terminan de convencerme (tampoco es que sean demasiados, la verdad).

En la imagen: Fotograma de “Hellboy” - Copyright © 2004 Revolution Studios, Dark Horse Entertainment y Lawrence Gordon Productions. Distribuida en España por Columbia TriStar Films. Todos los derechos reservados.